音乐的论文

在个人成长的多个环节中，大家都接触过论文吧，通过论文写作可以培养我们的科学研究能力。那要怎么写好论文呢？下面是小编整理的音乐的论文，仅供参考，欢迎大家阅读。

音乐的论文1

关键词：文化音乐教育音乐文化

摘要：音乐教育与音乐文化二者之间是紧密联系的，音乐教育的发展是音乐文化得以传承的重要途径。目前我国的音乐教育还主要处于一种基础教育阶段，较多的重视对音乐技能与技巧的培养，关于音乐的文化教育相对要少，因此导致学生对传统音乐文化了解较少，阻碍了音乐的发展。本文在此背景下，提出了音乐教育与音乐文化的关系研究，主要介绍了文化和音乐文化、音乐文化与音乐教育以及音乐文化教育的重要性，旨在从文化的角度说明音乐教育的重要性，以促进音乐教育的发展。

随着素质教育观念的深化开展，目前很多国家的音乐教育已经开始与文化相融合，成为真正意义上的文化音乐教育。由于每一种音乐背后都有一种文化对其进行有效的支持，因此可以说音乐是一种文化的表达，音乐与文化共存亡，没有文化就没有音乐，而没有音乐也就没有对文化的有效解读。音乐教育是一种对音乐与文化的有效传承手段，为音乐的发展注入了生机和活力，但我国目前的音乐教育还没有将文化有效的融合进来，因此很难获得真正意义上的音乐艺术的发展，要有效的繁荣我国的民族音乐文化，对音乐进行文化渗透是必要的选择。

一、文化与音乐文化

文化是一种历史表现与历史传承，狭义的文化主要是对人的一种价值观念、意识形态等的描述，广义的文化是一种精神财富的综合。音乐作为一种艺术体现，也属于精神文化的范畴，因此可以说，音乐是文化的一部分。同时音乐的表达一定程度上是受其背后的文化氛围的支撑的，因此可以说音乐与文化之间有着紧密的联系。音乐文化的教育主要是按照文化的发展模式来研究音乐的发展，实际上，音乐与文化二者之间是一个相互联系的感念，音乐文化某种程度上可以认为是一种文化传统的结合，我国音乐历史源远流长，在音乐发展的历史过程中，无不体现了音乐文化的艺术魅力，这种文化包括各种音乐乐器的发明与使用，以及各种经典音乐作品的出现，比如高山流水的创作，体现了朋友之间的情谊。嵇康在《声无哀乐论》中提出了关于音乐美学的理论，体现了中国音乐文化的光辉和音乐思维及审美情趣，与我国的传统文化一起构成了我国音乐的巨大艺术魅力展示。

二、音乐教育与音乐文化

音乐教育与音乐文化二者之间有密切的联系，一方面是音乐文化对音乐教育的促进作用，音乐文化作为音乐教育的基础元素决定着音乐教育的文化特性，决定了音乐教育的发展方向，如果没有音乐文化，音乐教育则只剩下对音乐技巧和技术的应用与描述，而失去了其审美情趣以及艺术表现力；另一方面，音乐教育的发展一定程度上又促进了音乐文化的发展，音乐教育的持续发展会促进音乐文化内涵的逐渐丰富。音乐教育作为音乐文化发展的重要载体和途径为音乐文化的创新提供了有机的促进作用，如果没有音乐教育，那么音乐文化也会停滞不前。

音乐文化一定程度上制约着音乐教育的发展，有什么样的音乐文化背景，就会有什么样的音乐教育模式，目前随着全球化的发展和国内外交流沟通的增加，世界上不同的音乐教育模式及音乐文化底蕴会在一定程度上影响中国音乐教育的发展。另外音乐教育的转换也会促进音乐文化的不断繁荣和丰富，比如音乐教育过程中对其他音乐文化的吸收与借鉴，会对我国的音乐文化产生一定的同化作用，对促进我国的民族音乐文化具有重要的作用。

三、重视文化音乐教育

音乐教育某种程度上对文化的发展起到一种持续与稳定的作用，经典音乐是表现艺术价值的途径，是一种在感觉的不断积累的过程中实现其价值的形式。因此可以发现音乐教育的基本智能是对音乐文化的一种延续，通过音乐教育的形式使得音乐文化不断的进行创新和发展。同时有计划、有目的的音乐教育也可以有效的对音乐文件进行传授，使得受教育者能够最大限度的领略音乐教育的要领，获取音乐知识。音乐教育对音乐文化的有效传承实际上是一种去粗取精的过程，通过不断的'筛选与整理实现的，这种筛选的过程主要依据社会的发展需求和受教育者的心理要求来决定的。比如我国音乐文化历史上，曾经采用简谱、五线谱等音乐符号来记录音乐，随着社会的发展和音乐教育的进步，五线谱和简谱逐渐成为社会音乐活动发展的需要，成为音乐教育活动中记谱法的主要教学内容。另外音乐教育还将音乐文化的内容进行了重构，以更方便的形式使受教育者接受音乐形式，从而最大化的提高受教育者对音乐知识的掌握程度，从而不断的掌握音乐文化的主体标准，确保音乐文化系统的统一性和完整性发展。音乐文化教育作为一种持续发展的动态过程，是一种不断进行传承的过程，将音乐教育与音乐文化结合起来，以促进文化和音乐文化的发展。

受中国教育模式的影响，教育的发展更多是重视对基础的训练，反应在音乐教育领域，更多是对音乐教育的技术和技巧进行培训，而对音乐作品背后的文化，学生的创造能力和想象能力等的教育和培训相对较少，学生不能深刻的理解音乐的艺术价值，制约了学生创造能力的发挥。就音乐教育来看，目前许多国家都将音乐教育规定为美育教育，音乐教育的主要目标是提高学生的创造能力，审美能力和逻辑思维能力。在我国，音乐教育虽然处于一种基础教育阶段，但音乐的文化内涵也开始被越来越多的人接受，民族音乐的发展与文化的有效结合取得了初步性进展和成功，音乐的文化教育发展特点越来越明确。

四、结论

在音乐的文化教育与传承过程中，音乐与文化二者是紧密相关的，任何形式的音乐教育都必须经过文化的衬托才能体现出其艺术价值，文化对音乐教育的促进作用是目前音乐教育领域的重要理念。一种音乐只有与其特定的文化内涵相联系，才能获得良好的发展，充分体现出其艺术的价值。因此在音乐教育的过程中，还需要进一步的发现音乐作品背后的创造背景以及文化内涵，以感悟到音乐作品中的文化积淀。我们应该充分的认识到音乐教育对音乐文化传承的重要性，积极发挥音乐教育的作用，体现出音乐教育的价值，促进我国优秀音乐的发展，保证我国传统音乐文化的独特性和多元性价值的发挥。

参考文献：

[1]张计.我国音乐教育与音乐文化协调发展探析[J].学术交流，20xx年2期

[2]周顺平.发挥基础音乐教育作用服务桂林文化名城建设[J].学术论坛，20xx年5期

[3]樊祖荫，谢嘉幸.中国（大陆）以音乐文化多样性为基础的音乐教育：发展现状及前景[J].中国音乐，20xx年2期

音乐的论文2

喜爱美的事物是人的天性，音乐审美思想的形成是基于主观思想的，客观理性思想则是其次。音乐的本质是一种表演艺术，与其他的艺术形式不同，它需要用表演形式来让世人体验音乐的美。音乐不像语言艺术，语言本身是具有语义性的，而音乐则不是，单凭纯粹地看谱，几乎没人能了解它所要表达的感情，所以只有表演出来才能使人了解情感色彩渲染下的思想内涵及背后隐藏的故事。

一、演奏中美的含义

有不少为世人喜爱并广为传颂的钢琴音乐作品，如《梦中的婚礼》等，都具有艺术美感，令人印象深刻。这些作品有一些共性：首先，它得符合大众的审美，旋律简单明了，让人回味无穷;其次，需要人们的审美观逐渐发生改变，从不接受到接受。演奏者最初都是从模仿开始的，不断地重复去模仿，直到渐渐成熟，自己的主观意识与客观意识不断磨合、碰撞，有意识地去分辨演奏的好与坏，学会如何控制整首曲子的感情色彩。在具有这种思维意识后，才能更清晰地认识到音乐的美，形成自我意识的主动性也是培养审美观的重要意义所在。

(一)演奏中美的二度创作表现。从美学理论中我们可以了解到，音乐的表演实际就是二度创作，这种创作既不能脱离原作，又要在原作中适时地加入自己的东西，使之更加富有情感色彩，能打动人心，引发人的共鸣。创造的同时必须兼顾音乐的真实性，所谓的真实性实际上就是指认真对待乐谱。演奏者在接触到新乐谱时，首先要先视谱，然后再视奏，但是很多演奏者往往只是机械地练习，忽略了作品背后隐藏的思想感情和内涵，例如作品是在怎样的时代背景下诞生、作者又是怀揣着怎样的心情进行创作的。

(二)二度创作的运用。二度创作的含义是在不脱离本质的情况下锦上添花，以《悲怆》为例，这首奏鸣曲是贝多芬最早期的作品，是这位伟大的音乐家还未全聋之前创作的，并且是他亲自加上的标题。这首作品中渗透着日耳曼民族特有的理性色彩，当笔者第一次接触到《悲怆》的第三乐章时，感觉它是欢快的，大众也觉得它是一首欢快的快板。但笔者通过翻阅各种资料，更深入地了解到贝多芬的故事之后，才渐渐体悟到第三乐章在欢乐的背后其实隐藏的是微微的不安和内心的骚动，所以在演奏这首作品时既要融入自己的情感，又要学会控制自己的情绪，这是非常关键的。

二、演奏中如何运用音乐的美

(一)演奏中的情感色彩。演奏不同的作品时应该带着怎样的情感色彩去演奏，这可能是令所有的演奏者都感到困惑的事情。同一首作品由不同的人弹奏出来会有不同的感觉，因为每一个人的情感经历是不同的，带入的情感可能是沧桑的，也可能是激越的，但都会影响整个表演情绪的波动。每一位演奏者的表演都是具有独创性的，表演技巧是表演中最重要的`因素之一，如果没有掌握好技巧，就根本无法呈现出完美的艺术表现力，所以二者必须统一，这也是音乐表演的重要美学原则之一。

(二)演奏中的心理情绪。仅仅了解和掌握演奏作品的历史背景以及最基础的演奏技术还远远不够，因为演奏者的心理因素往往是最难控制的。人的心理受内部因素和外部因素的影响，音乐家之所以能完全控制住整个场面，是因为他们拥有强大的心理素质，对于自身情感的流露能收放自如，而很多演奏者往往缺乏心理调控能力，演奏过程中形成的音乐画面感并不强，缺乏自身情感的投入，只是机械地演奏完作品，听众完全感受不到演奏者想要表达的情感。因为演奏本身就是呈现给听众的一场听觉盛宴，是为了让听众被你的演奏所折服，所以需要不断地提醒甚至暗示自己要注意把控和调节情绪。当然，情绪的流露与演奏者本身的经历也息息相关，经常听人说“这是一个有故事的人”，什么叫有故事?这样的人一定是经受了许多事情的历练，对世界的看法比常人更透彻，整个人的气场也和常人有所不同。可见，每一位音乐家的风格都既受到他们所处的不同时代背景的影响，也受到自身心理素质和情感的影响。

综上所述，对于美的认识要与钢琴的演奏相结合，不能机械式地演奏;不能有了一定的技术含量就满足，一味地追求技术和炫技，忽略了自身情感的融入;对于作者的了解要透彻，若没有亲身体就无法感受到作品的内涵及魅力;此外，还需要培养自身的心理素质，心理暗示对大脑的控制是一种很好的方法，可以使演奏者对自身情感的掌控达到收放自如的程度，有利于克服各种心理不适，培养坚韧的承受力，不会因为一次失败就一蹶不起。

音乐的论文3

随着流行音乐的泛滥和孩子对外界接触日益频繁，孩子对音乐的触角更加敏锐，对音乐表现出来的喜好也更加明显。有个别个性突出的孩子甚至在课堂上学习儿童歌曲时表现出抵触心理，这让我不得不开始思考：什么样的学习方式可以让孩子即喜欢流行音乐又不排除传统音乐？

在儿童早期，他们对音乐的感知仅仅是有趣的歌词和跳动的韵律，所以早期的音乐教育可以是模仿、对白，也可以是运动释放。进入小学后，学习模式发生转变，它不仅是对音乐的感知和对歌词的表现，甚至还有对音乐知识技能的理解和实践。我建议从一年级就开始注重循环培养孩子学习音乐的好习惯，有效提升学习效率，真正做到让孩子可以发自内心去喜欢和聆听音乐。我从以下几个方面着手培养音乐好习惯：

一、静下心听音乐

为避免浮躁，我课前播放轻音乐或他们熟悉的流行音乐，孩子可以在走廊上听，也可以安静地坐在座位上听。对于一些充满好奇的孩子，我可以随时回答他们关于音乐的小问题，遇到大家都模棱两可的问题时，我不介意在孩子们面前承认我不会，我在下课前的几分钟把问题交给在座的每一个孩子，让他们和我一起借助电脑或身边的智者去得到答案，不少孩子还会用邮件把答案发送到我的邮箱，我建议他们把答案放在自己的博客或QQ空间里，作为资源共享。

有了那么多人的共同关注，音乐已经成为了一种相互间可以交流的话题，谁也不愿意在共同的话题中没有发言权。

二、边听边动学音乐

音乐课上可以动，但在习惯没有培养好之前，我建议小动。学习1234567时，我把乐音写在了孩子坐的椅子上，学到哪个乐音坐哪个椅子的孩子听到后就要站起来，位置会按照游戏的需要不停地转换。随着音乐速度的变快，孩子们掌握乐音的.熟练度也提高了。

最有趣的莫过于脚趾游戏，我建议孩子们给自己的其中七个脚指头分别写好乐音名字，然后用小棒敲击，比如在学唱《两只老虎》时，就可以按照乐音的顺序依次敲击1231，1231……通过游戏，学生很乐意接受传统音乐。

三、边听边想折音乐

音乐课需要感知各种节奏，而节奏不外乎体验快慢疏密的特征。我课前需要发给每位孩子几张大小相等的纸条，告诉他们每张纸条代表着一个四分音符。然后我讲自己编的这个音符的故事，故事中描述着音符的特征。孩子边听边回答提问，认识音符。

折纸，一件和音乐有关的事情，但借用故事让孩子们边听边想边折，就很轻易地让孩子理解了音符的特征，随后就可以开始听琴学课本上相应的歌曲啦。

不光是课本上的儿童歌曲的节奏可以拿来折一折，甚至是孩子自己喜欢的流行歌曲，只要找到歌谱，遇到这样的节奏也可以拿来折一折，自己消化复杂的节奏。真正让课堂的知识延伸到课外。

四、边唱边找认清音乐

随着年级升高，歌曲中的音符越来越丰富，乐音的高低也很丰富，教学中一般惯用听唱的方法学唱高低不同的乐音，但我选择游戏。先在地上画上一些线，线分三种颜色，中间7条为白色，从低到高依次代表1234567，往上7条线为红色，从低到高依次代表1234567，不同的是每个乐音头上都有一个小圆点。而在白色线下面我画了7条蓝色的线，从高到低分别代表7654321，不同的是每个乐音脚低下也都有一个小圆点。游戏中，孩子们边唱边跳到那个相应的乐音线上，无形中他们结合钢琴声理解了这些乐音是有高低之分的。然后我再借助故事，告诉孩子们乐音头上的那个小圆点叫高音点，高音点越多这个音就越高。乐音脚下的那个小圆点叫低音点，低音点越多这个音就越低。而带低音点、不带点、带高音点三者的关系，孩子们早在游戏中就发现高低排列了。

有了对音高音低的概念，再听琴的时候孩子们会更加仔细，听辨乐音的高低更加用心。

五、边唱边演探讨音乐

高年级有一些作品可以通过表演来探讨甚至延伸，我曾经在一次活动中借助孩子熟悉的儿童歌曲《世上只有妈妈好》要求孩子用自己的歌声来抒发对作品的理解。活动中我运用了速度的变化轻而易举地演绎了不同感受的歌曲效果，孩子们发现原来每一首歌曲不一样的表现方法可以导致不同的听觉感受。课后他们就开始关注起对一些课堂上学过的歌曲的重新演绎，一些热衷于流行音乐的孩子还大胆地添加了RAP。

六、边找边交流理解音乐

高年级有很多欣赏，如李叔同的作品，如果不课外添加教材，学生最多只是熟悉《春游》和《送别》两部音乐作品，而李叔同本人绝对不仅仅只是在歌曲方面颇有造诣的人，所以，课后我请孩子们借助电脑搜集李叔同的相关背景及生平，让学生尽量多地了解这个多才多艺的人物。孩子们有自己的博客或QQ空间，可以直接将搜集的内容存放在上面，方便自己的好友阅览和交流，起到了我课堂上看不到的作用。

虽然目前音乐课本上有一些歌曲有点脱离孩子目前的生活，歌曲唱的有点空洞、摸不着菱角，但是我想从小培养好了音乐习惯，他们还是可以从音乐的本身去爱上作品，对音乐课堂也是一种良好的循环，能大大提升音乐学习的效率。

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无论什么样的文化,都必须经过传播,才能在这个社会上站稳脚跟并被后人所传承和发扬。音乐是具有自身魅力的精神文化,原生态音乐始终在连绵不辍的音乐文化里为创作者源源不断的提供音乐素材。她是具有原生态与音乐的双重特征,是以音乐为载体的原生态;同时,她是以原生态为载体,是音乐的一个有机组成部分。原生态音乐具有民族性,凝聚着民族精神,体现着民族文化。

作为养育人文精神的高等学校,传承文化是其重要任务之一,对于原生态音乐这一音乐文化的继承和发展,有着义不容辞的责任。教育界应当将原生态音乐这一传统音乐文化引进高校,在高校开展带有特色的原生态音乐教育,通过教育的主渠道,增强学生的原生态音乐文化保护意识,从而切实有效地保护与传承原生态音乐,促进其持续发展。

保护原生态音乐,实际上就是保护少数民族的历史文化。原生态音乐文化资源只有科学合理地开发利用,实施正确的教育传承发展战略,才能逐步形成文化品牌。高校能借助这些形式多样、内容丰富的原生态音乐,真正使学生认识华夏音乐的真谛,从而热爱我们的原生态音乐。

如何将原生态音乐引进高校,增强学生的原生态音乐文化保护意识,促进原生态音乐文化的持续发展,这一系列问题已经成为当前教育工作者极为紧迫和重要的工作任务,笔者对引进原生态音乐有如下构想:

1、引进原生态音乐的态度

(1)百花齐放、百家争鸣

原生态音乐传播于广阔的大地上,其唱法多样,形式不一,内容丰富,形成了一道多姿多彩的风景。高校在引进原生态音乐的过程中应该采取“百花齐放、百家争鸣”的态度,允许音乐文化的发展呈现多样性与多元化,让原生态音乐在校园里争奇斗艳。

(2)取其精华、弃其糟粕

原生态音乐不全是真金,也有良荞不齐。高校在收集整理原生态音乐的时候需精心筛选,取其精华,弃其糟粕。高校在选用原生态音乐时应当注意将那些具有民族特色的、积极向上的、好听好懂的、自然流畅的原生态音乐加以引进和推广。

2、引进原生态音乐的方法

(1)高校参与编写原生态音乐教材并开设课程

学校要积极地引导学生学习原生态音乐,通过课堂教学来引导原生态音乐传承。原生态音乐来源于民间,它的学习对象不单是音乐类学生,还广泛涉及于各年级各专业的学生。因此,我们在编写教材和开设有关课程的时候,要考虑面向更多的学生,更广泛地传播这一富有特色的`原生态音乐。高校通过一系列有益措施使更多的学生了解原生态音乐文化、树立对原生态音乐的保护精神,并对原生态音乐产生热爱,汲取这一民族民间音乐文化中的有益精华,进而探索宝贵的民族文化财富。

(2)通过“活态教学”的形式有效地引进原生态

“活态教学”即活动教学,综合教学,是音乐教育“走出去与请进来”有机结合的教学途径。它可以采用录音、摄像、记谱等多种形式对原生态音乐本原加以保存并引进课堂;可以通过实地考察等课外活动,使学生了解原生态音乐相关的原生态活动;同时,高校有计划地引进国内外有知名度的原生态音乐文化人才,有教学需要的时候可以请部分著名民间艺人走进课堂,负责特色技能教学;也可以请著名民间艺人进高校演出,通过多种方式以保证在校学生能接触到原汁原味的原生态音乐。利用课外活动补充课堂教学。高校大学生社团和各学院学生搞好原生态音乐文化的宣传工作,定期举行各种原生态音乐的比赛等。

(3)学校主管部门应制定相关制度促进原生态音乐教育

学校主管部门应认真考察、探究优秀的原生态音乐文化,重新评估它们的价值,制定相关制度促进原生态音乐教育,为参与原生态音乐艺术传承学习的师生实施帮扶;在待遇方面也设立奖励;积极组织师生在校园里开展丰富多彩的活动如文化论坛、知识讲座或音乐会等形式进行原生态音乐文化教育。学校主管部门加大力度为国家培养优秀的原生态音乐文化人才,提高学生的原生态音乐文化素质。

结语:高校可以通过多种途径去时时关注其他区域和国外先进原生态音乐文化成果,然后借鉴和应用,在与这些具体异域特色文化的交流中为原生态音乐课程注入新鲜血液,增添活力,让学生的眼界更为开阔,也促进了原生态音乐文化的发展与丰富。

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一、建设乡土音乐教材的必要性

（一）培养学生的音乐兴趣需要乡土音乐的支持

兴趣是最好的老师。少数民族地区学生生活在特定的环境中，他们对当地的民族音乐耳濡目染，形成了区别于其他地区的审美观念和心理意识。音乐课程如果能充分利用当地学生的这种审美心理，可以在一定程度上诱发学生的音乐学习兴趣，收到良好的教学效果。比如将教学内容与乡土音乐曲目结合，就能创设一个令当地学生熟悉和放松的教学环境，可以大幅度提升学生的音乐学习兴趣，使学生从原来被动地接受转变为积极主动地参与，进而提高音乐教学的效率与质量。

（二）传承与发展民族音乐文化需要利用乡土音乐教材

乡土音乐指的是特定区域内具有地方特性和区域特性的民间音乐。随着科技的发展，信息化与网络化的时代已经到来，外来音乐文化不断渗入人们的生活，这样虽然使人们的文化生活变得丰富多彩，但是却减少了人们对乡土音乐的兴趣与了解，对乡土音乐的情感慢慢淡化了。如广西许多原本十分常见的古朴山歌、劳动歌舞，如今已经很少有人传唱了，年轻的人们更热衷于现代流行曲调，节日欢庆时的民族歌舞逐渐被现代歌舞所取代。如此种种，对于本民族音乐的传承与发展是非常不利的。因此，教师有必要在中小学音乐教育中加强对民族音乐的教育，以培养学生对民族音乐的兴趣，使乡土音乐得到继承和发展。

（三）弘扬民族精神需要乡土音乐教材

民族精神影响着国家的兴衰。广西民族音乐源远流长，很多音乐直接体现了民族精神，给人带来潜移默化的影响和教育，人们在不知不觉中受到音乐的熏陶和教育。所以，把那些具有浓郁地方性与民族性的优秀民间音乐写进中小学的音乐教材，既可以加深学生对本民族和地区的文化、历史及民俗的了解与认识，更有助于激发学生的民族自尊心和自信心，从而有效地培养学生的爱国主义情感。

二、发掘民族音乐资源，创建乡土音乐教材

教材，是知识的载体，是教师传播文化，进行教学工作的主要工具与依据。在中小学音乐教材中加入乡土音乐文化的课程，可以使学生了解和认识民族音乐，使民族文化得到传承与发展。

（一）民族音乐资源的`整理与发掘

对民族音乐课程资源的整理与发掘，首先要走出校园，走进生活。教师对乡土音乐的教育不可以局限于课堂和学校之中，而应带领学生走出校园，走入民间，实地体验乡土文化气息，这样才能让学生真正体会乡土音乐的魅力。其次，要组织学生开展民歌收集与展示活动。收集成果的表演形式不应该局限于唱、跳、演等，也可以利用摄影、绘画、写文章等多种多样的展示形式，使学生在分享与交流的同时，深刻地体会民族音乐的亲和力与感染力。再次，学校要定期展开民族音乐的展演活动，如组织《印象刘三姐》展演等，这不仅是对学生学习民族音乐的肯定，更可以激起学生学习民族文化的兴趣和对民族音乐文化的热爱。最后，教师应引导学生查阅书籍或网络，自主了解与民族音乐有关的信息，自主进行民族音乐的学习。学校应该定期邀请一些民间艺人来到学校，给学生们作表演和开讲座，也可以安排学生对民间艺人进行现场采访，拉近学生和民族音乐之间的距离。

（二）民族音乐资源的加工与创新

学校和教师不可以将收集到的民族音乐资源生搬硬套地利用到教学中去，而应该对所收集的民族音乐资源进行筛选与加工，使之具有民族性的同时又赋予了时代性特征。民族音乐资源的创新可以有以下几个方面。第一，老歌新唱。把流传比较广泛的民歌、民谣的曲调进行重新填词，新的歌词要求语言通俗易懂、内容健康向上，同时还要保留歌曲本来的风格。如学习壮族民歌《唱山歌》时加入当代流行歌曲元素，更有利于学生学唱和理解。第二，把原有民族音乐中曲调、节奏相对复杂的地方，在保持原本风格的基础上进行再次创作，做到化繁为简。第三，把单声部曲调改编成为多声部合唱，使学生体会到多种演唱和演奏的形式，增加了音乐的趣味性与艺术性。第四，教师在教学中要对教学的内容加以拓展，比如在组织学生们欣赏了某首风格欢快的作品（如《牧童短笛》）之后，可以安排学生在当地民族节日中进行集体表演。

三、教材内容的初步构想

乡土音乐资源的种类非常丰富，编者在资源搜集和选择过程中，要考虑多方意见，如民间艺人、当地音乐教师和相关科研人员。乡土音乐教材在遵照国家教学大纲编写要求的同时，也要能够突出当地本土性与民族性特色。广西中小学校编写的乡土音乐教材可分为小学和初中两卷，应选取广西本土具有代表性和民族性的音乐作品与音乐教育方法相结合，具体内容有：

1.演唱类。

演唱类的民族音乐作品应包括在民间广为传唱的经典声乐作品，采用民族音乐素材进行创作的新民歌，具有地方代表性的山歌、小调、劳动号子等。

2.器乐类。

详细介绍具有本土民族特色的器乐曲和民族乐器，让学生通过学习了解民族乐器的演奏方法。

3.歌舞类。

为学生介绍本地区的民族舞蹈，让学生通过学习掌握一些民族舞蹈的基本动作，使学生能够在民族舞蹈的学习中体会其中传达的民族精神面貌与生活方式。中小学音乐课堂将乡土音乐融入教学中，有助于学生通过聆听、演唱、演奏本土音乐等实践活动，获得审美感知，掌握音乐基本知识和技能，熟悉和了解本土音乐传统，整合音乐教学内容拓宽了学生的音乐视野，激发了学生的想象力，让学生人人会唱家乡的歌、跳家乡的舞，演奏本土乐器，增强了学生的创新意识。

四、总结

建设乡土音乐教材是促进广西课程改革的一项重要措施，对学生们多元文化观念的培养具有重要意义。乡土音乐教材的建设，应该充分把好质量关，发挥它特有的教育功能和教育意义，使乡土教材能够真正为中小学的音乐教育做出详细、准确的补充。建设中小学乡土音乐教材对于广西音乐教育的发展与民族音乐文化的传承有着重要的意义，需要教育工作者在实践中不断地摸索和完善。

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音乐美学的基本内涵

马克思的这一说法在现在看来仍然是准确无误的，因为人类审美意识的产生都是以当时的历史和社会条件为前提的。作为音乐美学重要的组成部分，音乐感知的产生也是必须以音乐艺术的存在为前提，只有客观的音乐艺术存在，人类才可能在此基础上对音乐的对象进行五官感知，把音乐的对象化为可以感觉到、聆听到以及触摸到的虚拟物体。如果音乐对象不存在，人类今无法去感知，谈论音乐美学也就毫无意义了。作为音乐美学的重要环节，审美评价是指对音乐的好坏能够做出一个客观的评价。人类的心理基础决定了其所共有的欣赏水平与审美趣味，在某种程度上来说，人类对于某一类型的音乐是认同还是排斥所依据的标准就是“共同感知”，它主要是人类在长期的社会实践与生产中产生的，因此其审美活动也就是在人类的社会活动范围内，受到人类社会本质的强烈影响，进而形成了普遍的审美评价。随着社会的不断发展和人们生活方式的改变，音乐的审美标准要紧随时代前进的脚步，这样才会引起人们的认同和接受。尽管音乐是以虚拟化的形式出现的，但人们对于音乐的感知程度却一点也不必实际物体差，这就是音乐情感的作用。人们通过对音乐情感的领悟把音乐物化和意象化，人们根据自身的文化素养和审美趣味，凭借对音乐情感体验这种直观的感受，不断的探索和揣摩，进而能够把虚拟化的音乐对象转化为实体，这种全新的对于音乐的完美诠释真实的展示出了音乐世界的博大精深与妙不可言。

音乐美学包含的文化意蕴

因为人类本身是一种感性动物，注重的是对音乐的直观感受，但音乐美学是一种感性思维与理性思维的交汇，因此，在探讨音乐的规律以及本质时，要对其进行综合分析。但一定要尊重音乐给予自身的直观感受，因为第一感觉往往是正确而又接近实际的，这是获取音乐美的最直接途径。由于人类又具备思考的能力，因此可以在感性的基础上对音乐进行理性分析。理性的分析音乐的外在形式以及内在含义，找出音乐与社会生活之间的联系，进而提炼出音乐的本质和特质，创造出更多的`优秀音乐作品。每一部音乐作品都有其具体的内容和形式，音乐所表达的内容是通过演奏形式体现出来的，二者早已融为一体，而且不可分割。从某些方面来看，音乐的形式也是音乐内容的一个组成部分，因为是音乐向听众展示了其外在内容，除了乐声之外别无其它，而音乐的具体内容又是通过形式表现出来，音乐形式对音乐内容的表达起到促进或者制约的直接作用，二者互相影响，密不可分。音乐美学的产生是顺应艺术发展需要的结果。艺术的道路是永无止境的，而且作为人们精神活动的一个部分，艺术可以用音乐、电影以及绘画等丰富多彩的形式填补人们精神生活上的空虚和寂寞，人类已经离不开艺术活动，艺术装饰了人们单调乏味的平凡生活，是这个世界充满了活力与生机。音乐美学的发展程度同时制约着艺术的前进道路。音乐美学作为归纳音乐本质与审美的一般规律，是可以知道具体的音乐实践。在实际的音乐表演与创作中运用音乐美学的直观导向可以为音乐的长远发展提供可靠的前提基础，音乐的发展也会促进整个艺术界的前进，因此，音乐美学的发展程度直接影响到引述道路的前进方向与速度。从这个角度来看，艺术的真正魅力在于其不断被创新和超越，永葆生机。总结音乐美学思想蕴藏丰富，博大精深，它与同时期的文化一样历史悠久，源远流长，具有深厚的文化底蕴和基础。音乐美学的基本内涵包括音乐感知、审美评价以及情感体验三个环节，其文化意蕴更是多种形势内容以及思维的融合，只有清楚的了解音乐美学与其文化意蕴的内在联系，才能创作出适合广大人民而又优美动听的音乐作品。

音乐的论文7

摘要：将影视作品与音乐相互结合在一起就会形成另外一种艺术形态，即影视音乐。影视音乐其实就是音乐与影视作品的结合体，通过独特的艺术形态和特殊的功能将能够充分展现影视作品的独特魅力。将影视音乐镶嵌于影视画面中，就可以传播影视作品，体现出影视作品的内容与思想。作为一种独特的艺术形式，音乐在其中起着非常重要的作用，同时也是影视作品不可缺少的重要部分。本文就影视音乐艺术形态与运用进行简单分析。

关键词：影视音乐；艺术形态；运用

引言

从专业的角度来说，音乐本就是一种艺术形态，同时也是人们日常生活感情的直接体现。音乐来源于生活，但是又高于生活。人们可以通过不同音乐形式来表达自身的情感，同时也会利用音乐来描述对生活的向往和憧憬。听众在欣赏音乐的时候，会产生一种情感体验和共鸣，同时在演唱者演唱音乐的时候，通过音乐来实行多方向的沟通。影视音乐是一种音乐形态，与一般音乐存在着一定的差别。但是受到多方面因素的影响，影视音乐有其自身的表达特征。但是无论是何种音乐形式，都具有其自身的艺术形态。

1影视音乐在影视作品中的作用

对任何一部影视作品来说，影视音乐是不可缺少的重要组成部分。影视音乐在影视作品中具有非常重要的作用。通过系统的研究分析就可以发现，影视音乐在影视作品中的作用主要体现在这么几点上：首先，有助于推动剧情的发展。影视作品在播放的时候，可以有很多种方式来推动剧情的发展，但是比较常见且最重要的方式就是影视音乐。在影视作品中，融入影视音乐，对影视作品故事的发展起着关键性的作用，有利于影视作品内容的深化，以此来推动影视作品。在众多叫人印象深刻的恐怖电影中，《夺魂怨灵》的作曲家通过改编影视作品中的小夜曲，来编制出与主人公幼年时相似的旋律。这一情节其实就已经为整部影视作品的发展设定了较多的悬念，推动剧情发展至高潮。［1］其次，提高影视作品的感染力。利用与影视音乐相符的场景来烘托气氛，是影视作品经常采用的方式。采取这样的手段，可以提高影视作品的感染力。实际上，利用这种方式就是通过影视音乐将与影视作品时代相符的地域特点、民族特点带入到作品中，从而可以提升影视作品的感染力。影视作品《我的父亲母亲》中，有一个场景是母亲穿红色袄子，戴红色头巾在冰天雪地等待父亲归来，最后晕倒在雪地中。其中就通过配上小调式的音乐来衬托情感，以此提高作品的感染力。影视音乐与影视场景相互结合，充分展现出乡村少女纯洁的情感。

2影视音乐艺术形态

研究发现，一部影视作品中包含了不同形态的影视音乐。同时，不同种音乐形态在作品中发挥出不同的作用。总体来说，影视音乐艺术形态主要有这么几种：首先，影视元素形态。影视音乐即使是音乐艺术形态的一种，但是其并不同于一般的音乐。影视音乐会受到空间与时间的影响，促使其有自身的表达方式。综合来说，影视音乐更重视功能性。在影视作品创作的完成，影视与影视音乐需要共同协作。影视音乐是影视作品较为重要的表达元素，与影视作品其他的元素相互合作，促使影视作品故事更生动，人物形象刻画得更为生动，以此推动情节发展，延伸影视空间与时间，继而就可以构筑出完美的影视艺术作品。

影视音乐作为影视作品中众多的元素，其并不是简单地与影视音乐堆砌为一体，其目的就是要升华。影视音乐的特点就是在影视作品中可以引用几个相同的音符来表达不同的意思。其次，内容特指形态。在重新组合动态音符后，就可以赋予影视音乐不同的情绪与情感。实际上，在欣赏影视作品的时候，通过具体的问题，观众能够感受到某些具体的信息，而将其转变成具体的`音符就是“哆啦咪发嗦啦唏”。除去具体的音符，观众是很难体验到其他的信息内容。影视音乐的独特魅力就是可以利用抽象的音乐将情感传达给观众。影视音乐与文字艺术具有的共同性就是内容特质性。利用声、旋律等不同种的形式，影视音乐就可以为观众创造一种良好的情感氛围，同时还可以打破传统的印象，促使影视作品更具针对性与目的性，向观众阐述故事情节的发展。唯有如此，影视作品才能够被观众理解。可见，影视音乐的内容形态就是为影视作品而服务的。影视音乐编曲重视与影视作品内容的相互配合与沟通，从而实现音画合一的目的。无论影视作品采取何种形式，都需要注重音画合一。再次，听觉完形态。影视音乐唯有在听觉上呈现出完整性，才能够体验到真实。听觉完整性强调的是音乐与作品的完整性。［3］

在剧情发展的过程中，影视音乐通畅需要采用某个或者某几个音乐片段来与之相互结合，从而体现出影视作品。影视音乐与一般的音乐在创作与演奏的时候存在明显的不用。影视作品在创作与表达的时候，需要根据影视作品的需要。因而，影视音乐具有在时间上具有片段性。受到情节的限制，音乐播放的时间长短由影视作品故事情节的发展来决定。可见，影视音乐独立于影视作品但又依附于影视作品。在编曲的时候，需要根据影视作品人物情感的变化而做出调准，从而展现影视作品。最后，旋律运动形态。旋律运动是影视音乐思想内涵的具体体现。通过将不同的音符按照相应的顺序组合在一起，就能够形成不同的旋律，从而表现出不同的内容。7个基本音符与5个变化的音符共同组合成音乐音符。将不同的音符进行不同的重组，就能够展现出影视作品中人物不同的情感。影视音乐旋律在整体上表现得较为流畅。在欣赏影视作品的时候，观众看画面的同时，其实也在欣赏影视音乐。通过两者的相互结合，就能够为观众留下思考与回味的印象。

3影视音乐艺术的合理运用

实际上，一部优秀的影视作品中有很多种影视音乐，影视音乐并不仅仅只有主题曲与片尾曲。在播放影视作品的时候，根据故事情节发展的需要，其中有很多地方会应用到音乐。影视作品中需要应用到音乐，主要有声画对位、声画对立以及声画同步。例如，在《泰坦尼克号》中，包含具有情感特色的苏格兰风笛。通过风笛将观众带入到画面中，即会在观众的眼前展现出浩瀚的大海，同时在静谧的大海中略带感伤。［4］这样的表达方式其实就是声画同步，保持影视音乐与影视情节相符，就是声画对位。在相同的场景中，将声音与画面同时呈现出来。而声画对立其实就是以隐藏模式来讲人物内心的情感表达出来。

4结语

在影视作品不断发展的过程中，影视音乐为满足影视作品发展的需要，会不断增添多种音乐元素，从而推动影视作品的发展。事实上，影视音乐在深入研究影视音乐对影视作品的创作和丰富人类精神具有非常重要的作用。了解影视音乐的发展形态，并合理地运用，是一部优秀影视作品应当具备的要素。

参考文献：

［1］崔月楠.我国影视音乐的发展现状及对策［J］.电影文学，20xx，7（1）：117-118.

［2］李蔚.影视音乐在影视艺术中的美学特质与功能［J］.安徽工业大学学报（社会科学版），20xx，9（15）：64-65.

［3］俞为民.论中国戏曲的艺术形态及其美学特征［J］.浙江艺术职业学院学报，20xx，12（09）：78.

［4］杨晓辉.有关影视音乐的艺术形态与应用分析［J］.电影文学，20xx，3（2）：133-135

音乐的论文8

摘要：中小学音乐课本所选的歌曲一部分可取近年优秀的流行歌曲，另一部分可保留现存音乐课本中的优秀的歌曲。当代优秀儿童歌曲的创作量不大，适合学生演唱曲目更是太少。现有音乐课本的理论等内容过于专业化，使学生不易接受。我们的教育应从单纯的唱走向多元化，奥尔夫音乐教育体系带给我们新的启发。21世纪的多媒体课件的使用，为现代音乐教育提供了有力的保障。一切都要以务实求真为基础，我们的音乐教育才能取得真正意义上的成功。

前言:21世纪已经不再允许我们使用过时的教学理念和教学模式了，为了适应世界的变化，为了适应当代学生的发展变化，我们的音乐教学是否也应该发生某些变化呢？当代中小学音乐教育存在哪些弊病？我们针对弊病作如何改进？音乐需要天地，天地需要音乐。课堂是传授音乐的最佳的地方，我们战斗在第一线上的老师们让孩子们乘着歌声的翅膀飞翔、飞翔……

关键词：当代中小学音乐教育思考

今年亮相春晚的一首网络歌曲《老鼠爱大米》让处在音乐干涸期的流行乐坛为之一震，成为此次春晚的一个亮点。《老鼠爱大米》以其诙谐、风趣的歌词和简单明朗的旋律走进了万户千家。而我们的音乐课本呢？有多少歌曲是现在的学生所喜欢的呢？这也并不是说我们的课本过时了，也不是说让我们的课本完全的改版成通俗歌曲曲谱。但是，我们不得不承认，流行歌曲因其大众化正正被更多的非音乐专业的听众所接受。因此，选取近年优秀的流行歌曲到中小学音乐课本是完全有必要的。而对于现存音乐课本中的优秀的歌曲应予以保留，虽然这些歌曲离我们的生活渐渐变得遥远。但是，其对中国乃至世界的音乐文化的发展起到了不可磨灭的作用，是人类精神的宝贵财富之一，我们有必要并且很有必要将传成下去，这是历史赋予我们的责任和义务。

下面再来谈谈关于音乐创作的问题。众所周知，儿童歌曲的创作后的利润是非常的低，而创作一首流行音乐，再经过包装，它的利润将成倍增长。因此，当今乐坛总趋势是创作儿童歌曲的作家越来越少，而创作流行音乐的作家却是越来越多。这是一个可悲的局面，不知道那些整天高喊着“一切为了孩子们”的专家作何感想，连让孩子们唱的音乐都没有，还谈什么素质教育？现在的中小学音乐教材中所选歌曲竟然还是那些70-90年代的儿童歌曲，而近年的虽为数不多却也不乏优秀的儿童歌曲却没有或几乎没有选入现在的教材，更别提音乐界的一些最新成果的展 示。一方面是优秀歌曲的数量无法保证，另一方面也是由于我们的教材更新时间根本无法保证，造成了我国中小学音乐教育外部设施的缺乏，使我国的广大地区的音乐教育形同虚设。这是我国的各级官员们特别是打着“孩子至高”应旗号的人们应该认真检讨反思的。我们中小学的音乐教学的目的到底是什么？当今我国的中小学音乐教材总体数量较多，而几乎每本教材都会谈到音乐基本理论、视唱、练耳等音乐专业课程，不是中小学音乐课就不该介绍这些内容，是在是因为其难度以靠近音乐专业本科教学难度。这一点似乎是受大浪潮（应试教育）的影响。

学生们被填塞满了诸如音符、休止符、音阶、音程、和弦、调、调式、曲式以及数十种音乐记号，并视唱带有一个、二个、甚至三个升降号的曲调，听辨音程、和弦、调式，听写旋律，分析曲式等等。这种状况，使得我们的基础音乐教育培养了一批又一批由于无法逾越“双基”高墙而面对音乐产生自卑与冷漠心态的失败者。我们进行中小学的音乐教学的目的到底是什么？这是一个很难回答却也很好回答的`问题。为了孩子，为了提高孩子们的艺术素养。但是，通过这种填鸭式的方式真能提高孩子的艺术素养？答案是否定的。孩子们爱音乐却不爱音乐课，这恐怕是世界上最滑稽却又最伤悲的事了。那种先练打节奏，接着唱音符，然后读歌词，最后填歌词的老套教学法以不能再适应如今的音乐教学，老师一本正经的严肃认真的教学恐怕也是收效甚微，机械、呆板的训练方式使如今的渐渐适应快餐文化的孩子们感到厌倦。因此，音乐教学改革迫在眉睫。我国的音乐教育是从学堂乐歌发展起来的，而当时的学歌的唯一形式就是口传心授，这是由当时的教学环境所决定的，而如今，处于21世纪前沿的新一代的人民音乐教师还用这种老式的教学法那才是贻笑大方。首先，我们的了解音乐是一种怎样的艺术？音乐是一种听觉艺术，是把音按一定的规律组织起来，使人听之产生美感的艺术。既然它是听觉艺术，听也就是欣赏才是真正的“主角”。因此，我们的课程教学方向应该逐渐转向以欣赏为主的教学模式，我们开设音乐课的目的也就是培养广大学生的音乐感受能力，正如周大风同志在其《音乐教育改革刍议》中提到的那样“当务之急首先要改变幼儿园、小学、中学、师范学校的音乐教育的结构。改革‘以歌唱为中心，识谱为辅’，而代以欣赏、器乐、歌唱三者并重的音乐教育结构。尊重音乐教育艺术是以感受为特征的规律，让学生在课内课外多听民族的乐曲，……从小培养他们对民族音乐的感情和爱好。特别要注意‘听比唱更重要的规律’。”

认识到了现在所存在的问题后，我们的老师们应如何改良我们的音乐教学法呢？当代世界著名的德国作曲家，音乐教育家卡尔.奥尔（1895-1982）给出了明确的答案。这种用音乐和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的新的形式，是一种人们必需自己参与的音乐，即：人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间；它是先于智力的，它不用什么大型的形式，不用结构；它带来的是小型的序列形式、固定音型和小型的回旋曲形式。原本的音乐是接近土壤的、自然的、机体的、能为每个人学会和体验的、适合于儿童的。

奥尔夫原本性音乐教育的原理具有以下几点：

1、综合性；

2、即兴性；

3、亲自参与、诉诸感性、回归人本；

4、从本土文化出发；

5、适于开端；

6、为所有人。

其中即兴是奥尔夫音乐教育体系最核心、最吸引人的构成部分。

在现代化的今天，录音、录像、广播、电视、电影、幻灯、电脑多媒体等硬件，以及音像制品，载有各种教学资料的音像带、视听盘和各种电脑多媒体光盘、课件等软件，已成为教学媒体的主流，成为极具特色的现代音乐教学设施与手段。在现代音乐教学活动中，这些手段与设施对于提高教师的教学质量、学生的学习效率以及教育与社会的融会贯通，都发挥了很大作用。其特点为：普及性强，信息量大，形象直观，具有很深的感染力。因此，多媒体的普及带给老师们的应该是教学上的多元化。在信息量猛增的21世纪，老师们的知识和教学法的更新或许才是培养下一代的至关重要的内在的条件。

改良当代中小学音乐教育之路任重道远，希望我国全体国民都真真切切的关心我们的下一代，务实或许才是解决这一问题的最好的途径和方法。

音乐的论文9

一、有利于进一步拓展音乐教育的内涵

经过几千年的发展，音乐教育已经形成了独特的教育内涵，而将民族音乐文化应用于音乐教育中，更进一步拓展了音乐教育的内涵。一方面，从文化性的角度来看，虽然音乐教育自身具备自身的文化特性，但是把民族音乐融入到音乐教育中去之后，就会使得音乐教育增添了民族音乐文化特色，比如民族音乐文化体现了各民族的历史传统、生活习惯、文化特色等方面的内容，而这些民族音乐文化中的特色，是一般的音乐教育中难以体现出来的。再如民族音乐文化中体现出了少数民族的文化特色，如果在音乐教育中缺乏了少数民族音乐文化的影响，那么，音乐教育也是不全面，不完整的。由此可见，将民族音乐文化融入到音乐教育中，对音乐教育的文化内涵有着一定的拓展。另一方面，从音乐教育的实质内涵来看，作为教育，音乐的目的在于陶冶人的情操，促进人的自由而全面发展，实现以人为本的发展。而民族音乐正是可以有效弥补人的全面发展的有效元素。在目前音乐教育的背景下，不少学者都提倡要进行多元音乐教育，即通过各种形式的音乐教育，提升学生的全面发展，提高学生的综合素质。民族音乐文化作为一种特色文化，有着丰富的自身内涵，通过学习民族音乐文化，不但有利于提升学生的学习兴趣，增加学生的音乐知识，而且还有利于提高学生的综合素质，促进学生的自由而全面发展。因此，在这种情况下，民族音乐文化就成为了多元音乐教育的重要力量，对于丰富音乐教育的内涵，进一步凸显音乐教育的文化魅力，达到音乐教育的最终目的等方面都有着重要的影响。

二、有利于丰富音乐教育的实质内容

音乐教育是一门非常重要的课程，不管是在高校或者在中学，不少学校都把音乐教育列为必修课程。在这种情况下，音乐教育的实质内容丰富不丰富，内容精彩不精彩，直接影响学生的学习效果和教学质量，而民族音乐文化作为音乐教育中的重要组成部分，自然肩负着丰富音乐教育实质内容的重任，主要有以下两个方面。第一，民族音乐文化本身就是音乐教育的重要组成部分。从宏观方面来说，音乐教育的内容较为广泛，主要包括国外音乐文化、民族音乐文化、基础音乐文化等各方面。以《义务教育课程标准实验教科书.音乐》为例，明确要求学生要掌握唱歌、欣赏、歌表演、器乐和音乐活动等。由此可以看出，民族音乐已经成为音乐教育必不可少的内容。另一方面，随着时代的发展和音乐教育的不断进步，音乐教育也呈现出多元化的趋势，而民族音乐文化正是适应了这一趋势的发展。因此，如果在音乐教育中不断的渗透民族音乐文化，不仅有利于丰富音乐教育的实质内容，而且还有利于调动学生学习音乐的积极性，更加有利于提高音乐教学效果。第二，民族音乐文化的进步不断丰富着音乐教育的实质内容。历史上，各民族在长期的发展过程中形成了自身独特的音乐文化，随着时代的进步和发展，民族音乐文化也在不断的发展和进步，因此也呈现出了与历史上不同特色的文化。在音乐教育中，不但能简单的运用当年的民族音乐文化，而且还可以对民族音乐历史文化进行深刻的研究，并应用到教育中去。另一方面，也要对民族音乐的进步、发展、演变进行关注，确保用最新的变化内容去做好音乐教育。从这种情况就可以看出，正是由于历史上、当前或者今后民族音乐文化的不断发展和变化，所以会对音乐教育产生重要的影响。

三、有利于增强音乐教育的实效性

长期以来，由于种种原因，音乐教育的教学效果令人堪忧。造成这一问题的原因虽然较多，但是从音乐教育本身来看，自然主观方面是产生问题的主要方面。基于这一思考，音乐教育之所以产生问题，主要原因在于课程内容设计不合理、不丰富，不能有效的'调动学生学习的积极性。民族音乐是音乐教育的重要组成部分，因此，民族音乐文化对于提升音乐教育的教学效果发挥着积极的影响。作为音乐教育的重要组成内容，民族音乐文化丰富了音乐教育的课程体系内容。从现有的音乐教育的教学内容来看，不少学校都涉及到了民族音乐文化，这在丰富音乐教育体系，提升学生的学习热情方面做好了前期准备工作。但是问题在于，虽然不少学校都把民族音乐作为音乐教育的重要组成部分，却极少重视对民族音乐文化的教学，不注重深挖民族音乐的文化，只是机械的让学生去学习民族音乐，而没有从民族文化的角度，特别是没有结合学生的学习兴趣，让学生内心燃起一种深刻了解民族音乐文化的热情，在这种情况下，学生对于民族音乐的学习就是被动的，因此学习效果不佳。鉴于这种情况，学校要深刻意识到民族音乐文化对于提升学生学习音乐教育的重要性，采取相应的措施去重视民族音乐文化的挖掘，不但有利于学生了解民族文化，在内心引起共鸣，更有利于提升学生的学习效果，提升教学的实效性。

四、有利于促进音乐教育的课程改革

近年来，各学校都加大了各课程教育改革的力度，音乐教育也在其中。从目前的情况来看，是取得了一定的成绩的。民族音乐文化作为音乐教育的重要组成内容，不少学校也比较重视把民族音乐文化融入到音乐教育中去，这对于音乐教育的课程改革发挥了积极的影响。综合起来看，主要有以下三个方面的影响：第一，通过课程改革，音乐课程更加有利于促进学生的全面发展。在音乐课程改革中，不少学校除了重视民族音乐文化对于陶冶人、发展人的重要作用，还重视民族音乐其他方面的拓展，如精神内涵、专业技巧、发展特色等各方面，这些方面的内容，对于学生拓展音乐知识，提升精神文化生活发挥了重要的作用。第二，有利于音乐教育本身的发展。为了进一步做好音乐教育教学工作，不少学校都重视民族音乐的研究和拓展工作，一方面，学校积极组织教师深入开展研究民族音乐，对民族音乐的特色、文化、历史、精神内涵、演唱技巧等方面进行了深入的研究。另一方面，不少学校还花大气力引进高素质、高学历的音乐专业教师，特别是注重引进具备民族音乐专业素养的教师，这不但对于民族音乐文化的发展，而且对于音乐教育本身的发展也有着重要的促进作用。第三，促进了音乐教学质量的不断提升。民族音乐文化在音乐教育中发挥着重要的作用，不少学校善于将民族音乐文化应用于学生的思想道德教育、专业素质培养等各方面。通过扎实的课程改革，学生的综合素质在不断提升，教学质量也在不断的得到提高。由此可见，在整个音乐教育体系中，民族音乐文化发挥着重要的促进功能，教育工作者只有不断的加强对民族音乐文化的研究和拓展，才能在发展民族音乐文化的过程中拓展音乐教育的内涵、丰富音乐教育的实质内容、增强音乐教育的实效性、促进音乐教育的课程改革。

音乐的论文10

一、重视音乐课在小学教学中的地位

虽然教学体制改革的步伐从来没有停止推进的脚步，但是应试教育和传统教学模式依旧占据当今教育体制的主导地位。小学教学工作一般来说，重视语文、数学等科目，对于音乐、自然、劳动、美术、品德等课程的重视程度远远不及这些科目。笔者认为，首先要重视音乐课程在教学中的地位，并不是要求教学安排上同语文、数学等核心文化科目相对等，至少在平时的教学中，不要为了应付期末考试来牺牲音乐这种文化课。其次，要纠正对于音乐课的一些误解。不少的教学工作者对于音乐等科目的认识存在偏差，认为这种科目无非就是打开嗓子嚎两句，每个学期教学生唱会几首歌就行了，不用投入过多的教学精力。到了期末考试等重要时刻，牺牲音乐课也是适宜的。种种错误的认识，是与小学音乐课教学的精神背道而驰的，因此，我们在教学中，应当尽量避免出现这些不当的教学观念。再次，要加大对于小学音乐教学设备的投入。城市小学大部分都有电子琴、手风琴、专门的音乐教室等优秀的教学设施，而相当一部分农村小学则没有这么好的条件，往往就是在一个教室里边学习文化课和音乐课，没有这些器材，单靠音乐教师用自己的教学魅力来吸引学生的兴趣。因此，要把教学资源适当地向农村小学倾斜，增加它们的教学设备，配备专业的音乐教师，全方位地刺激学生感官，让他们快乐地翱翔在音乐的领域里。

二、教学过程要倾注情感教学元素

音乐本来就是一门艺术，也是人类社会发展中的精神财富，能够有效的刺激学生的听觉、视觉和思维能力。据科学研究证明，人类对于歌词的记忆力往往比一些古诗词、大篇幅的文章要深刻得多，而且过了很久学生依旧不会忘记。通过不同的曲调练习，无形之中增强了学生的歌词识记能力。情感教学的元素，在于不断地追寻美好，在于不断地付出，在于坚持，在于走向生活的快乐。作为成年教师，我们不能因为学生尚处年幼，忽视了音乐对他们心智发育的影响，应当看到小学生在平时音乐课的练习中所表现出来的情绪和感情。在小学音乐课教学中，教师倾注的情感教学元素主要表现在耐心地纠正每一个学生不当的发音，纠正他们的音准，一遍又一遍的教他们如何用自己的嗓子发音，一丝不苟的对音乐教材进行理论讲解，抓实践练习细微细致，声情并茂地为学生做教学示范。这些都是小学音乐教学中的情感教学元素，只要音乐教师投入其中，这些学生会与我们产生良性互动，我们会发现他们能感觉到我们倾注之中的情感教学。

三、善于发现学生在教学中的微妙变化

音乐课是小学生表达情感教学的一门课程，他们在繁重的文化课中解放出来，自然会在这么课程中找到一种宣泄的渠道。作为小学音乐教师，我们就需要在教学中多多发现学生的情感教学变化，不能只是为了完成教学任务，胡乱的凑完每堂课的四十五分钟。学生在唱歌的时候，也是他们最放松的时候，我们只要细心观察，就会发现他们表达出来的微妙情感。或激动，或亢奋，或疲惫，或厌倦，或渴望，或压抑，我们小学音乐教学工作者要做的，就是发现这些情感教学并加以适当的'引导。当学生有些过于激动的时候，我们要让他们平复下来，回归到理性的层面；当我们发现有些学生厌倦疲惫的时候，我们应该尝试着找到产生这些情绪的原因，帮助他们找到音乐的乐趣和灵感，帮助他们养成集中精力做好一件事情的良好习惯；当我们发现学生对音乐渴望的眼神，或者是表现出来的一些天赋灵感的时候，我们不要无情地加以忽视，而是多多鼓励和褒奖，让他们在音乐的领域中找到自信心，并把这种自信心带到生活中，带到其他科目中去。

四、结语

总而言之，要以积极奋发的精神来感染学生，影响学生，只要我们认识到小学生的情感思维中的微妙变化，并倾注教学情感，对于有灵感天赋的学生积极加以引导，小学音乐课教学工作必定能呈现一个良性循环和最佳互动的局面。小学音乐课是一门陶冶情操的艺术课，需要广大的教学工作者不断努力，重视这么课程，倾注教师的教学情感，以耐心细致的情感来培养学生对于音乐和生活的热爱。

音乐的论文11

【摘要】萨缪尔·巴伯（SamuelBarber）是20世纪世界著名的美国作曲家，其音乐风格既受到传统欧洲音乐的影响，又巧妙的运用现代音乐为自己的音乐服务。与同时代的作曲家相比，巴伯避免了机械化、死板化的缺点，优美的旋律中不时流露出别具特色的各种美国音乐元素，使其在流派纷纭的20世纪音乐中独树一帜。本文通过巴伯的《漫游集》，《钢琴奏鸣曲》和《钢琴协奏曲》三部钢琴代表品，着重探析巴伯钢琴作品中对美国音乐元素的具体运用。

【关键词】萨缪尔·巴伯；钢琴曲；美国音乐

一。巴伯的生平简介

萨缪尔·巴伯，1910年生于美国宾夕法尼亚州西切斯特镇，从小受到母亲和姨夫一家在钢琴和声乐上的熏陶，6岁时便能即兴弹奏旋律，7岁时开始在声乐和器乐的创作方面显示出非凡的才能，10岁时写出歌剧《玫瑰树》的剧本。1924年，14岁的巴伯进入新创校的柯蒂斯音乐学院（Curtis）学习钢琴、作曲、声乐和指挥。毕业后，长期游学欧洲的经历，使传统欧洲的古典、浪漫派音乐和文学深深扎根在巴伯的音乐语言当中。

20世纪50年代，巴伯的专业作曲家生涯进入顶峰时期，此时的巴伯被认为是十分卓越的作曲家和美国音乐的传播人，多次代表美国参加国际音乐活动。然而1966年创作的《安东尼与克利奥帕特拉》成了巴伯职业生涯的由盛到衰转折点，1981年1月23日巴伯在纽约去世。

二、巴伯的钢琴音乐创作

巴伯一生写过4部歌剧、2部芭蕾舞剧，19部管弦乐作品、14部室内乐、39部独奏乐器作品、20部合唱作品、106部声乐作品等。与此相比，巴伯的6部钢琴音乐作品在数量上显得相对较少，但是这些钢琴作品无论在音乐语言的丰富性，还是创作思想的深刻性上，都足以代表巴伯音乐创作的最高成就，在巴伯的音乐创作中享有重要的地位。而其中尤其以《漫游集》、《钢琴奏鸣曲》和《钢琴协奏曲》三部作品最具代表性（另外三部为《纪念》（Souvenris），《夜曲》（Nocture），《叙事曲》（Ballade））。

这三部钢琴作品表现出巴伯过人的`掌握多种音乐风格的能力：抒情的旋律、明确的调性、古典曲式结构的频繁运用都体现出传统欧洲音乐风格；大量不谐和和声、半音阶，十二音列的运用又体现出娴熟的现代音乐作曲技法；富有美国风情的音调节奏不时点缀着乐曲，显示出巴伯对美国民族音乐的挖掘和热爱，三种风格迥异的音乐和谐的融合在巴伯的作品中，最终形成了巴伯特有的音乐风格。

三、美国音乐元素的运用

作为土生土长美国作曲家，巴伯从来不曾忘记在自己的作品中加入美国音乐，来向世界介绍自己国家的音乐风格。美国是个民族大融合的国家，许多的音乐风格都来自不同民族，有外来的也有本土，如印第安音乐，拉丁美洲音乐，西部乡村音乐和爵士乐等等。而在美国音乐中又以爵士乐最为突出，而爵士乐又以它突出多变的节奏和与众不同的爵士音调为主要特点。

（一）爵士节奏

巴伯曾说过他对爵士乐的看法“爵士乐对我来说非常简单，你在听爵士乐时更多的时候是跺着脚打着响指，而不是靠耳朵。”这说明了在爵士音乐中节奏的重要性。爵士节奏丰富多变，其特点大多是摇摆，节拍重音交错和即兴。《漫游集》第一首乐曲就采用了典型的“布吉——乌吉”（boogie—woogie）的风格，即一种爵士钢琴风格，最初是为舞蹈伴奏，特点是左手弹奏强有力的固定低音，一般是以双音或是分解八度构成固定低音。而右手则采用大量的切分与不规则节奏与左手的稳定形成对比。（见谱例1）

谱例1

《漫游集》第二首乐曲大量运用各种时值的附点和三连音，营造出一种随意的摇摆的慢速布鲁斯风格，在《钢琴协奏曲》第二乐章中也采用了相同的节奏特点（见谱例5），附点加十六分音连线的组合正是摇摆的爵士节奏风格。《钢琴奏鸣曲》曲第一乐章一开始大量附点节奏则不再是摇摆的风格，而是代表了一种坚定的力量，同时以八度音程加强其力度，具有打击乐的特点，在乐曲一开始就把主题宣示出来（见谱例2）。在《钢琴协奏曲》第一乐章发展部的节奏特点则充分体现了爵士节奏即兴的特点，从114小节到119小节都是有规律的以三个十六分音符为一组的节拍，右手先奏出三个音，左手跟随右手第三个音进入，两个手的衔接很有规律。从120小节到126小节则打乱了前面有规律的节拍，把前面的节拍材料加以变化，十六分音符时而两个音一组出现，时而三个音一组，甚至一个音。而左右手的衔接也不再有规律，而是按照各自的节拍进行，交错的节拍加上无规律的音符组合在听觉上达到了即兴的效果。

谱例2

（二）爵士音调

爵士风格的音调是由具有特色的音阶构成，而巴伯多采用布鲁斯风格的音阶。布鲁斯源自于声乐演唱，它的音阶特点是含有“蓝调音”——即降Ⅲ级音和降Ⅶ级音，（见谱例3）“蓝调音”与正常的Ⅲ级音和Ⅶ级音交替使用，Ⅵ有时候也会降，这与声乐中的滑音，颤音有关，其曲调风格忧郁。

谱例3

在《漫游集》第一首乐曲首中随处可见这样的“蓝调音”，如结尾处反复交替出现的c小调降Ⅲ级音和还原的Ⅲ级音。（见谱例4）

谱例4

在第二首乐曲中更是典型的布鲁斯风格。除了《漫游集》这部爵士风格的乐曲外，在巴伯的其他作品中爵士音调像精灵一样随处可见，时刻给听众惊喜，使人惊讶于他对各种音乐风格的把握天赋。如《钢琴协奏曲》第二乐章中出现了频繁的半音交替的布鲁斯音调，第二主题的布鲁斯风格与第一主题的德国民歌风格的交相辉映，两种不同文化背景的音乐和谐的融合在乐曲中。（见谱例5） 谱例5

包含有爵士风格音调的地方还有许多，如《钢琴奏鸣曲》第一乐章开始的降A和还原A交替出现（见谱例2），第四乐章中一个固定短小的动机中包涵的布鲁斯音调（见谱例6）等等。

谱例6

（三）其他美国民族音乐

巴伯除了采用了爵士音乐作为创作素材，还吸收了许多其他民族音乐，并在作品中反映出来。《漫游集》第三首乐曲是拉丁美洲舞蹈的音乐风格，伴随着探戈的节奏，其旋律迷人动听（见谱例7）。

谱例7

《漫游集》第四首乐曲一开始就使用开放和弦来模仿口琴的声音，随后的单音旋律模仿的是小提琴，然后两种乐器同时出现，让人领略到了迷人的美国西部风情。（见谱例8）

谱例8

综上所述，《漫游集》（ExcursionsOp。20）是巴伯受钢琴家贞尼·贝伦德（JeanneBehrend）委托而作，通过这部作品，巴伯向世人证明了他驾驭“美国风格”音乐的能力。作品在规模较小的古典形式中融入了美国民间风格，包括拉丁美洲的舞蹈音乐，乡村音乐，爵士乐等等，这些风格非常突出地体现在节奏方面，对民间舞蹈、民歌和民间乐器的描绘和模仿也不少见。这些美国音乐的元素同样也渗透在他的《钢琴奏鸣曲》和《钢琴协奏曲》中，并将这些特色的民族元素结合现代音乐的作曲技法，演绎出不失传统欧洲的浪漫情怀。巴伯对美国音乐元素的运用使美国钢琴音乐的发展达到一个崭新的高度，这也使巴伯最终成为最受欢迎的美国音乐传播人。

结语

在音乐流派众多的20世纪，运用民族音乐元素创作，巴伯不是第一人，也不是唯一运用美国音乐元素创作钢琴曲的作曲家，相比同时代的科普兰（AaronCopland）和格什文（GeorgeGershwin）对爵士音乐的运用，巴伯的的音乐风格则更为多样化，包容性更强，这主要体现他对传统欧洲古典和浪漫派音乐、现代音乐以及美国音乐的完美结合上。

作为现代21世纪的钢琴演奏者，一首近现代作品，包涵的音乐风格往往不再是单一的一种，而是数种音乐风格的融合，这对演奏者提出了越来越高的要求，很好的理解并演奏这些作品就要求我们全面的掌握了解各种时代、地域、个人风格的特殊性，我们只有跟上音乐历史的脚步才能更好的表现近现代作品的音乐内涵。

参考文献

[1]BarbaraB。Heyman：SammuelBarber：TheComposerandHisMusic（NewYorkOxforoUniversityPress1992）

[2]StanleySadie，NewGroveMusicandMusiciansDictionaryIndex，MacmillanPublisherLtd。20xx

[3]蔡良玉著《美国专业音乐发展史》，人民音乐出版社，1991年。

[4]于润洋主编《西方音乐通史》，上海音乐出版社，20xx年8月，第2版

音乐的论文12

音乐欣赏是一项以音乐艺术作为媒介，以满足审美为目的的音乐活动。在高校，如何开展审美活动、开展什么样的审美活动、倡导什么样的审美情调都将会对大学生的音乐欣赏能力产生很大的影响。在音乐欣赏中，只有充分发挥出音乐自身的特质，感染大学生的审美视角，培养大学生的审美理念，才能提高音乐的欣赏能力，才能实现音乐欣赏的终极目标――促进素质教育水平的不断提高。

一、音乐欣赏概述

音乐是人类的一种文化发展现象，是人类重要的精神产物，也是一种最富情感的伟大艺术。音乐欣赏是音乐实现其价值的必经环节，是传递文化的重要部分。音乐欣赏是指欣赏者在接受音乐、聆听音乐的过程中，从音乐中获取精神上的满足和理性的思考体验的全过程，主要包括了对音乐作品中的曲调、乐谱、感情抒发及音乐创作者等多方面的分析，从而产生的与作者的音乐欣赏的共鸣，开阔欣赏者的视野，从精神上体验音乐美。

在欣赏一首音乐作品时，音乐会通过人类的感官系统与欣赏者自身的情感与经历相融合，进而激发出欣赏者对于音乐的独有的理解、感知，进而实现对欣赏者的情操的陶冶和情商智商的启发，具有非常重要的作用。也正因音乐欣赏给人们带来的众多美的体验和享受，近年来各大高校也陆续开设音乐欣赏课程，并以音乐欣赏作为主要的教学内容，对大学生的素质教育有着重要的积极作用。

二、音乐欣赏的意义

音乐欣赏是一项高级的人类文明，是启发人类感知与情感的重要活动。作为高校大学生来说，音乐欣赏是启发智商、培养情商、提高综合素质的重要渠道，音乐欣赏具有非常重要的意义和作用。

（一）音乐欣赏可以培养和发展大学生的音乐感知和音乐表现能力

音乐欣赏的过程，可以逐步培养大学生感受音乐的能力和水平，使其认知、了解音乐的音高、音长、音强等要素，熟悉音色的不同，明了音乐节奏的快慢以及和声等音乐表现形式的运用和效果，提高大学生的音乐感知能力。同时，音乐欣赏教学还可以培养大学生的注意力和记忆力，在音乐欣赏的过程中，往往要求欣赏者要全身心的投入到音乐中去，要求始终保持着一种较为专注的心理和精神状态，只有如此才能使欣赏者的心理与音乐活动保持稳定的联系，进而实现帮助欣赏者培养和锻炼注意力、记忆力的作用。除此之外，通过音乐欣赏活动还能培养学生的想象能力，在音乐欣赏的过程中，学生可以随着音乐节奏肆意想象，通过思维遐想实现思想的扩展，给予学生充分的想象空间。经常进行音乐欣赏活动还能给予学生一定的音乐表现能力的培养，对于学生的音乐感受能力和表现能力都具有极大的促进作用。

（二）音乐欣赏可以帮助学生开放思想，提高创新能力

音乐欣赏不仅仅是一项放松的娱乐活动，同时也是一项愉悦身心、开发思维的良好方法。音乐本身就极具开放性和愉悦性，可以使大学生在进行专业课程学习的同时陶冶情操，愉悦精神，激发学生的学习能力和创新能力。音乐欣赏的过程中，学习、理解音乐形象是一项重要方面，而每一个欣赏者在进行音乐欣赏时都会根据自身的特征和感触进行音乐形象的个性化再造，进行二次创作，实现学生的创新能力的发挥。如在著名的二胡曲目《二泉映月》中，大学生在进行音乐欣赏时，有的学生感受到的是旧社会最底层的劳动人民生活的不易，有的学生也在其中感受到了历史的悠久和时代的进步，还有的学生在其中感受到了爱情的浓浓深意，一千个人心中有一千个哈姆雷特，在音乐的欣赏过程中也是如此。音乐是思维者的世界，是思维者的声音，音乐欣赏是一项需要学生根据自身实际进行二次创作的复杂过程，是一项可以帮助学生开放思想、培养创新能力的系统性工程，它鼓励学生敢于去想象、敢于去创新、敢于去质疑、敢于去突破，这正是时代的需要和发展的需要。

（三）音乐欣赏可以帮助学生转变思想观念，培养独立自主的品质

音乐欣赏给学生提供了充分的审美学习和实践机会，是学生感受音乐语言魅力的重要途径，也帮助学生转变了学习只能从书本获取、能力只能从动手中获取的思想观念，促使学生在审美中去伪存真、在审美中获取能力、在审美中收获知识。音乐具有非常丰富的种类和曲目，给予了欣赏者多样、广泛的.选择性，也使欣赏者可以随意按照自己的喜好进行音乐的欣赏活动，并且充分的隔离旁人的干扰和干预。在高校的音乐欣赏课程中，大学生往往可以根据自己的音乐品味和喜好进行欣赏活动，在这个过程中，学生独立自主的特性和品质将得到充分的体现和锻炼，帮助学生实现其音乐欣赏选择的独立自主。同时，在同一个曲目的音乐欣赏的过程中，每位同学对于音乐的感受和体会也各不相同，而音乐欣赏是认同并鼓励这种自我的思维发散的，鼓励实现音乐理解的不确定性，并给学生留有充分的思想留白，帮助学生实现其思想的独立自主特性。

三、提高大学生音乐欣赏能力的方法

提高大学生的音乐欣赏能力是高校践行素质教育、实现教学目的的重要渠道。如何进一步提高学生的音乐欣赏能力，实现音乐教学与欣赏能力培养的有效结合，是一项值得思考的课题。

（一）改善音乐教学环境

任何教学活动如果缺少了学生的主动配合和积极参与，其教学效果都将大打折扣，音乐欣赏教学也是如此。在音乐教学的过程中，要尽量营造一个良好的教学环境和教学氛围，教师可以充分使用多媒体教学设备，根据不同的授课内容和不同的音乐曲目，进行差异化的教学设计，将音乐的思想、感情、风格进行融合教授，结合教学实际设置生动的视听设置安排，给学生呈现一个全方位接触音乐、多视角学习音乐的教学课堂，使学生身临其境的享受音乐带来的精神盛宴，完美实现教学效果。高校在适当的范围内，要给予音乐欣赏课程提供更加优质的教学设备与物理环境，充分重视音乐欣赏课程，为大学生进行音乐欣赏课程的学习打好基础。

（二）牢固音乐基础知识

任何的教学过程，都离不开夯实的基础知识，对于音乐欣赏能力的培养来说，音乐的理论知识的掌握尤为重要。在音乐欣赏课程的进行过程中，要充分重视音乐基础知识的传授，要从音乐基础的乐理知识、节奏等方面入手，正视对大学生的音乐分析能力的培养，帮助大学生在充分熟悉音乐欣赏过程的侧重上和关键点的基础上，使其充分领会音乐作品所传递的精神和思想。同时，学生在进行音乐欣赏的过程中，要学会做好音乐欣赏的准备工作，要在充分占有音乐作品创作背景的基础上进行，唯有如此才能充分体验音乐的思想和灵魂，才能实现提高音乐欣赏能力的目的。

（三）鼓励学生参与音乐实践

实践是能力培养的关键。在音乐欣赏教学过程中，也应给与学生积极参与、充分实践的权利和机会，可以在教学的过程中适当增加学生的讨论环节和音乐演示环节，充分调动学生的积极性，实现课堂良性互动，提高音乐欣赏教学效果。同时，高校可适当为学生营造音乐学习交流的平台，鼓励学生成立音乐欣赏社团组织等，为大学生音乐创造性的发挥和实践提供平台，提高学生音乐创作的积极性，培养学生音乐欣赏习惯，提高其综合素质。还要积极鼓励学生去聆听不同类型、不同风格的音乐作品，这样有利于提高学生的音乐记忆力，使学生在不断聆听音乐的过程中，提高对音乐作品的把握和体会，提高感性认知能力。

（四）提高教师队伍的音乐素养

教师是音乐欣赏活动的主导者和负责人，其自身素质的好坏将直接影响教学效果和教学质量的好坏。高校教师要积极提高自身音乐欣赏素养和能力，充实音乐理论知识，深刻音乐思维和见解，在授课时才能充分满足学生的求知欲，激发学生的学习欲望和创新思维。同时，教师要积极拓展自身的思维视野，避免形成思维定式，要坚持以人为本的教学理念，要鼓励学生丰富的思维活动，不压制学生的个性化思维，采取引导的方式，实现教学效果，提高教学效率。适当开展多元化的、个性化的教学，充分开展不同类型的授课过程，为音乐欣赏教学过程营造一个较为活泼、生动的氛围，适当将学生放在音乐欣赏的主体地位上，尊重学生的感知和不同的音乐欣赏能力，给予不同的音乐欣赏能力的学生以有所侧重的教学，实现兼顾公平的差异化教学方式，实现学生集体音乐欣赏能力的同步提高。

音乐是一项与人类生存、生活息息相关的伟大艺术，在世界的每个角落无不充斥着多样的音乐。音乐欣赏既可以陶冶学生的情操，也可以开阔学生的思想视野，还能促进大学生形成良好的综合素质，塑造学生的人格魅力，满足时代的发展需要，因此，大学生的音乐欣赏能力要充分得到社会的重视，尤其是高校，要积极在音乐教学中进行创新和变革，充分重视音乐教学的重要意义，发挥多样的教学手段，激发学生学习兴趣，弥补大学生音乐知识的匮乏不足，进而实现大学生综合素质整体、全面的提高。

音乐的论文13

当前电视、媒体虽在不断大力宣传红色传统的民族歌曲,可是学生们似乎并不喜欢听,他们总是选择如张杰、汪苏伦、周杰伦等歌星演唱的流行歌曲。因此,重视民族音乐与教学,培养音乐人才,是摆在我们面前的严峻问题。

一、提高认识,加强自身修养

一堂成功的音乐课,不仅能使学生感到轻松活泼、其乐无穷,而且还能开发学生丰富的想象力,从而有效地达到教学目的。想要学生喜欢音乐课,必须让学生喜欢音乐老师,要想让学生喜欢音乐教师,就必须具备良好的综合素养。所以,加强教师本身音乐修养与能力就显得尤为重要。在教学中,教师不能只局限于完成教材所给的内容与要求,更应该注意拉近学生与音乐的距离,充分挖掘其中的内在的美,这是教学的重点所在。这就需要我们不断学习、不断研究,与时俱进,适应时代与学生不断的审美需求,让学生愿意、喜欢接近老师尤其是民族音乐文化。

二、开拓视野,深化了解

教师要多留意电视、媒体等播放的音乐,不断收集积累,用录像、录音设备等,把电视与媒体中好的、有意义的视频及时录制下来,以备平时教学使用,并把平时积累的材料应用到教学之中。如通过播放录像形式,介绍小提琴协奏曲《梁祝》等……当学生看到中国民族民间音乐在世界级音乐大厅受到外国朋友的喜欢,听到了经久不衰的掌声时,民族自豪感便油然而生。

三、以情感为主线,培养学生对民族音乐的深厚感情

没有情感的教育学生不能产生兴趣,同时情感又制约着学生的认知学习。如何提高学生对民族的音乐热情呢?教师要选择适合中小学生生理、心理特点和接受能力的音乐作品,同时加强对教学形式的精心选择。如唱、奏、欣赏各种类别的传统优秀音乐内容时,要先考虑培养民族音乐思维,激发学生主体主动学习民族音乐的热情,营造浓厚的传统音乐文化氛围。

四、利用各种手段和方式,培养学生的民族情感

(1)民族音乐与课内外活动相结合。教师要充分利用课内外、校内外的活动进行民族教育。在校内,教师可组织民乐队、合唱队,再配合音乐课的教学,教唱民族音乐和民族歌曲,并组织各种民族歌曲比赛、音乐比赛等。

(2)民族音乐与多媒体的紧密结合。教师要充分利用多媒体的功能,在播放音乐时加入图片或图谱,提示学生从音乐要素、色彩、内容、表达情绪等方面去捕捉信心,并从视觉上加以辅助,降低学生听觉上的疲劳,用直观明了的'方法去指导欣赏民族音乐。

(3)民族音乐与表演有机结合。在欣赏中,教师要抓住中小学生的特点,设计一些切实可行的情境,让他们在活动中感受民族音乐的美。

通过以上的教育活动,让学生充分认识到民族音乐是世界文化的遗产中的一颗璀璨的明珠,加强对民族音乐的认识和热爱,不断增强民族意识。相信通过我们的不断努力,会让民族音乐真正的潜入学生的心田,培养音乐人才,使民族音乐文化不断得到传承、发扬与光大。

音乐的论文14

摘要：

音乐教育的道德塑造功能，音乐教育还具有道德塑造功能，可以提升青少年的思想道德水平，在今后的生活与学习中用道德来约束自我，使社会变得更加和谐、美好。在音乐中也存在美、丑、善、恶的人物形象，并且音乐中更加弘扬一种美善理念，引导人们去追求正义。

关键词：

初中音乐教育论文发表,发表音乐教育教学论文,初中思想政治教育论文投稿

一、音乐教育的道德塑造功能

音乐教育还具有道德塑造功能，可以提升青少年的思想道德水平，在今后的生活与学习中用道德来约束自我，使社会变得更加和谐、美好。在音乐中也存在美、丑、善、恶的人物形象，并且音乐中更加弘扬一种美善理念，引导人们去追求正义、追求善良之美，最终达到道德塑造效果。因此音乐教师在对青少年进行音乐教育时，应该要充分发挥音乐的道德塑造功能，将社会精神融入到音乐中，帮助学生树立正确的世界观、人生观、价值观，并用这些思想去指导生活，以达到音乐教学目标。音乐的形成与人们的伦理道息息相关，它是社会伦理之美的一种表现，教师在教学时需要重视音乐的道德教化作用，是青少年塑造更好的人格，提升他们的音乐品性。比如学生在学习《歌唱祖国》这首歌曲时，通过歌词可以让学生树立爱国意识，并在音乐中增强其民族自豪感。“歌唱我们亲爱的祖国，从今走向繁荣富强”，青少年在这样激昂的音乐中感受祖国的伟大，并逐渐端正自身的学习态度，提升其历史使命感，为建设自己的国家不断努力奋斗。

二、音乐教育的智力开发功能

音乐教育有助于青少年的智力开发，可以让他们养成良好的学习习惯。在历史中许多名人都进行过音乐教育，有一些甚至在音乐中颇具造诣，比如中国儒家创始人孔子不仅是伟大的思想家，同时也是音乐家；中国导弹之父钱学森也有很高的音乐修养；号称天才的物理学家爱因斯坦也接受过音乐的训练，不仅会弹钢琴，也会拉小提琴，他认为音乐对人的智力开发有着重要的作用。因此教师在对青少年进行音乐教育时，应该要做好智力开发教育工作，通过音乐来逐渐提升学生的感知力、想象力、记忆力和思维能力，最终达到智力开发目标。比如在进行钢琴训练时，学生需要保持身体的协调性，让大脑与手指高度统一，这样才能更好的表达音乐作品，提升钢琴音乐的感染力。在这样的训练中，不仅可以提升学生的手指速度，同时也可以锻炼学生的脑部细胞，从而实现智力开发，拓展学生的思维，为学生今后音乐以及其他知识的学习提供帮助。

三、音乐教育的审美鉴赏功能

音乐是艺术的一种表现形式，因此它本身也含有一种魅力，音乐教师在教学时应该要积极培养学生的艺术审美能力，增强学生对美的认识，从而更好的'感受生活的美好。对于大多数青少年来说，他们自身对事物的认识不够充足，审美能力也不高，需要教师通过引导来逐渐提升其审美情趣，培养他们积极乐观的精神，为他们今后的生活提奠定基础。在音乐的引导下，许多学生可以去逐渐体会音乐所描绘的意境，并与音乐创作者产生共鸣，让美好的事物进入到青少年的视野。比如学生在学习《在希望的田野上》这首歌曲时，能够在欢快的音调与节奏中逐渐进入到音乐为其创造的情景中，感受农村田园风光的魅力，体会到丰收时劳动人民的喜悦之情，增强其音乐审美能力。在这样的潜移默化的教学中，学生可以提升其审美水平，对事物有着更加深刻的认识，实现学生的良好发展。

四、总结

因此，教师在对青少年进行音乐教育时，应该要充分发挥音乐的美育功能，逐渐拓展学生的音乐视野，提升他们的审美能力，感受身边事物之美，并养成良好的生活习惯。除此之外，教师还要通过音乐来提升学生的思想道德水平，实现心灵美的教育，提高学生的人格魅力。学生在音乐的引导下也能够开发智力，提高他们的学习成绩，为今后其他知识的学习奠定良好基础。除此之外，学生也可以增强自身的情感体验能力，提升其整体素质，最终达到音乐美育教育的目标。

音乐的论文15

论文关键词:音乐;绘画;关联;印象主义;表现主义

论文摘要:音乐与绘画是两种不同的艺术门类,但两者存在着许多关联之处,涉及到艺术家身份的关联、观念上的继承、理念上的认同等等。既然它们同属于艺术就一定存在着共同之处。

音乐既是听觉艺术,又是时间艺术,还是动态艺术,它在一定的时间里,以乐音和噪音的持续运动来表现自己,它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。音乐可以说是心灵的艺术,它通过音响来表达感情或形象,使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受,并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。

绘画是视觉艺术、空间艺术,也是静态艺术。画家将线条、色调及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的图形,从视觉上给观赏者以强烈印象,并引起各种情绪的反映,产生审美刺激。

音乐与绘画各自通过不同的媒介物、用不同的艺术表现手段,向人们传达着作者所要表达的内容和情感。音乐与绘画是两种截然不同的艺术形式,如果论及它们之间的关联,不得不先论及艺术家身份的关联。

一、艺术家身份的关联

许多艺术家本身既是音乐家又是画家,如康定斯基、勋伯格、达芬奇等等。

康定斯基(WassilyKandinsky,1866-1944)是俄国表现主义绘画的代表人物之一,他同时又是一位精通音乐的人,他与表现主义音乐的代表作曲家勋伯格(A.Schoenberg,1874-1951)交好,并特别喜爱听勋伯格的作品,在听其管弦乐时常会感到“眼前有如乱发一样的无数的线条在狂舞”。由于康定斯基本人也可说是音乐家,故而其绘画作品接近音乐的性格,他以暴风一样的激情的情感、火焰般的强烈色彩、表现内心的感动,并赋予色彩、画面以音乐性,如他的《浪漫的风景》,描绘了几匹从山坡奔驰而下的马,骑者被弹的很高,那激烈运动的色点、具有动感的大色块、以及横穿画面的斜线,如同被演奏着的一首奔放的交响曲;在其《连锁》中,二十多个相似而又独立的生命体,色彩鲜艳、整齐规律地排列在一起,有如音乐作品的结构,其整个作品体现出被凝固着的又仿佛流淌着的动人旋律。

康定斯基的绘画接近音乐,用仿佛音乐般的线条与色块来表达自己的内心世界,他将绘画作品赋予了音乐性的效果。他把色彩作为钢琴键盘、将线条作为弦乐、各种不同的构图当作铜管,制造出了动人心魄的“交响曲”。他对音乐的热爱,通过他的绘画作品淋漓尽致地表达出来。

康定斯基的好友作曲家勋伯格同时也是一位画家,在勋伯格的音乐作品中,如弦乐五重奏《升华之夜》、独唱剧《期待》、配乐说唱《月迷彼埃罗》等等,都以各种音乐手段(如无调性的旋律、十二音的构造、音乐的织体等)体现着他对生活的感受和对社会的思考,同时,也呈现出强烈的画面感。他常常将自己对绘画的热爱(自然,他也有许多绘画作品),用强烈的刺激的音乐音响表达出来,有意尝试将表现主义者在绘画方面的心得,转介入音乐之中。

众所周知,达芬奇((ScuolaLeonardodaVinc,i1452-1519)也是位同时通晓绘画与音乐的艺术家,他认为音乐虽然是听觉艺术,但它与绘画有许多相通之处:一、音乐与绘画都有节奏;二、音乐与绘画同样有比例关系;三、音乐与绘画的美感完全建立在各自部分之间的的相互渗透。他的见解得到众多艺术家的认同。

正由于如此,使音乐与绘画着两种不同的艺术在许多地方体现出意念或概念上的趋同。就以印象主义为例,也证明着印象主义音乐与绘画在观念上的继承。

二、印象主义音乐与绘画在观念上的继承

印象主义音乐是19世纪末法国作曲家德彪西(Achille-ClaudeDebussy,1862-1918)首创的一种音乐风格,然而音乐上的印象主义却是直接来自于绘画上的印象主义。19世纪末的画家马奈(EdouardManet,1832-1883)、莫奈(ClaudeMo-ne,t1840-1926)、修拉(GeorgesSeurat,1859-1891)等人的作品打破了古典的作画风格,避开了写实的画风,而创作出对一瞬间的光色、气氛的感觉与印象、以鲜明跳跃的色彩替代几百年以来深沉、灰暗的酱色调的画风。印象主义绘画直接触动以往既定的审美模式,而开启20世纪现代美术的先河。作为对一切新鲜事物一场感兴趣并热爱绘画艺术的德彪西,为这种新颖的画风所影响,以管弦乐序曲《牧神午后》,创立了印象主义音乐的音乐流派。

印象主义音乐继承了追求感官印象描绘的特征,用音乐来表现作曲家通过听觉、视觉、幻觉甚至是嗅觉所捕捉到的对自然现象、景物、人物等的感觉和印象,如同印象主义绘画那般,放弃传统音乐中那严密的组织和理性、逻辑性的结构形式,其音乐被作曲家以自由抒发的灵感式的`倾诉变成了模糊、隐绰、松散的轮廓,音乐语言发展成虚无飘渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家,他不固守传统,同印象派画家和象征派诗人交往甚密,并继承了他们的思想观念。德彪西的音乐不以旋律为生命,而以片断、零碎的形态,偏离大小调的音乐体系,削弱和声的功能性而增加其色彩性的音乐特征,使印象主义音乐呈现出新颖、雅致、清新、灵巧、缺乏音乐发展所固有的内在动力的品质。他以这种音乐风格体现着印象主义绘画风格的观念:在从透明而重感官的结构里激发起理想中的境界,自然景物或人不再是表现的重心,而强调光与色的效果;不着重表现具象与事物的本质,而注意自然界光色变化和瞬间运动感,体现着朦朦胧胧梦一般的印象。如同印象主义绘画一样,印象主义音乐常常在作品内容的选择上脱离现实世界的题材,专注于光影的游戏和愉悦的性格和能给人感官享受的事物,它把以音乐的丰富色彩呈献给大家,发展了音乐诗意的感情与气氛,并常常醉心于个人的艺术天地,甚至有点孤芳自赏的意味。

印象主义音乐是在观念上对印象主义绘画的继承,它打破了以往传统的作曲方式,成为了20世纪现代音乐的桥梁。印象主义音乐于绘画的关联,直接或间接地影响到表现主义音乐与绘画在理念上的认同。

三、表现主义音乐与绘画在理念上的认同

“表现主义”(Expressionism)一词首先出现在1911年德国的《狂飚》杂志中,它是在第一次世界大战前出现在德国的一种艺术流派,表现主义针对印象主义对自然和现实的模仿与再现,主张艺术要直接表现思想的本质、内在的灵魂,强调艺术的表现力和形式的重要性,反对机械地模仿客观现实,作品中体现出机械文明压制人性的强烈不满。表现主义艺术流派首先出现在美术领域,再而影响到音乐。

表现主义绘画的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基为代表的表现主义画家反对学院派自然主义的古典风范,主张不应机械地模仿客观现实,主张用以线条与色块体验人类思想的本质,并以个人对主观感情来取代视觉的感受。正是由于理念的趋同,使作曲家勋伯格深受表现主义绘画的影响,勋伯格与其两位弟子贝尔格、威伯恩创立了音乐上的表现主义。表现主义的作曲家们用自己的心灵感受到德奥现实生活充满着丑恶和痛苦时,他们的音乐便以抽象、夸张、扭曲、怪诞的笔法对现实进行变形的描绘,用梦魇、幻觉来影射客观世界,用刺激、不协和的音响来揭示心灵的孤寂、恐惧、绝望乃至疯狂。

无论是表现主义的音乐或是绘画,其创作风格与技法,都突破了传统,并引起艺术界的强烈震荡。勋伯格在进行表现主义音乐实验的初期,一直处于高度的紧张气氛之中,其作品受到如同表现主义绘画一样的待遇:让人一时不能理解,也无法接受。其作品的每次上演,都会引起听众的一片谴责,即使是晚期作品,也不是那种让听众为之愉悦,为之共鸣的音乐,因为,表现主义音乐突出的特点是无调性(atonality),其使用的作曲手法是前无古人的“十二音体系(twelve-notesystem)”,这种作曲体系掀起了“不协和音的解放运动”,使欧美音乐界(尤其使作曲界)受到了前所未有的冲击,并引起震荡。在他死后,其音乐也存在着争议的评价。 表现主义绘画在表现主义音乐之先面世,自然,同样是愤怒的反应,而后是漠然,直至得到宽容。康定斯基以一种病态的画面,发泄着对资本主义罪恶的憎恨和因社会危机而引发的在情绪上的恐怖和苦闷。他对色彩“内在音响”的体验,以及色彩和音乐律动同一性的理解与高度敏感,使表现主义绘画具有一种音乐性般的艺术效果。

表现主义音乐与绘画的同一性在美学思想上达到了高度的统一:共同体验着社会的动荡、不安,表现着对现实的不满、恐惧,表达出对印象主义音乐或绘画那追求光、色一瞬间的印象,及模模糊糊地反映被描绘的事物所散发的气氛,以及充斥在音乐与画面间的那迷离、朦胧、神秘意味,主张与传统彻底决裂,以几乎变态的理性来反映客观现实带给人们的强烈压抑的精神、思想、信念的本质。

表现主义音乐对表现主义理念的认同,在某种意义上是印象主义音乐对印象主义绘画观念上的延续。因为,音乐与绘画的密切关联,在历史的不同时期都有着或多或少的显现。音乐与绘画的关联不仅表现在同一类型的流派之中,甚至表现在不同艺术流派之间,某种流派的作曲家也会受另一种绘画风格的影响,诸如威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。

四、威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画

威伯恩(A.werbern,1883-1945)是勋伯格的学生,是表现主义音乐的代表人物之一,他追随勋伯格步入十二音技法领域,并发展了勋伯格的音乐风格,将勋伯格创立的十二音体系推向序列音乐,他提供了一种“方法”,加强对音高组织的控制,还对音色、时值等要素作出相应安排。他全部的31首音乐作品具有高度集中、浓缩、简练、主观、抽象、简洁的风格,将“纯音乐”推向颠峰。在他后期作品中,缺少传统音乐所特有的线条感,而以单音或是多音,以不同的色彩乍似毫无关系地连缀在一起,造成漫无章法、毫无表情的音响感,然而,他由十二音推向序列音乐的音乐作品,有极强的内部组织的严格次序,呈现出高度理智而客观的风格。这种音乐多以点对点、块对块音响连接的风格,与印象主义后期的“点彩派”绘画存在有许多相似的理念。

“点彩派”的代表画家是法国的修拉(GeorgesSeurat,1859-1891),他的代表作油画《大碗岛上一个星期的下午》由无数个红、黄、蓝、白单色的小点构成,产生画面朦胧、迷离的意境。点彩派画风以法国化学家舍夫略里关于色彩协调理论《色彩对比论》为理论基础,用红、黄、蓝、白四种原色作不同组合,让观众眼睛自行调动而看感到流光异彩的画面。点彩派用这种所谓科学的、严格的色彩和笔触,代替以往印象派画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触,比马奈、莫奈的画作更忽略作品的内容而单纯追求所谓科学的色彩与形式化。修拉的画风被称为“点彩法”,而威伯恩那缺乏旋律线条的作曲方法则被人称为“点描法”,它与“点彩派”绘画有类似的理念。音乐上的“点抽法”突出的特征是将完整的旋律纵向分配到多个乐器或乐器组来演奏,而以短小时值的音符相连接,形成浓缩的曲调线条,其跳动大的音程,表示旋律线的突凸,反之则柔和,以这种短小时值的点构成的组合,构成威伯恩音乐的主题,并由点对点的短音符在不同乐器或单一乐器不同音区的呈现,构成整部音乐。

“点描法”的音乐与“点彩”派的绘画在以点组成艺术的理念上,达到心有灵犀的艺术关联。威伯恩的“点描音乐”以各种不同音色,不同位置的音响的“点”的时疏时密的跳动来构成其旋律,它拒绝传统音乐那悠长的旋律线条,“点彩绘画”由一点一点纯色的“点”,构成复杂的画面;“点描音乐”拒绝传统音乐简单地抒发作曲家个人的主观情感,而以严格的序列控制作为新的作曲手段,“点彩绘画”同样追求色彩理论的原理,将理性的色彩组合看得高于一切。他们共同的理想都是要创作出不同于以往形式的艺术作品,在创新意识上使两者都走在同一个更为注重形式感的艺术创造的道路上。威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画不属于同一名称的艺术流派,前者属“表现主义”的范畴,后者是印象主义的延续,然而,分析两种风格的两种艺术在理念及手法上的关联,使人产生了极大雷同的印象,拟或可说有“同工异曲”之妙的艺术效果。于是,我们说音乐同绘画存在有必然的关联。

五、音乐同绘画存在的必然的关联

音乐与绘画不属于同一种艺术形式,它们有各自不同的特征与表现手段。然而,它们又同属于“艺术”这一范畴。既然同是艺术,那便会产生千丝万缕的联系。

康定斯基早在1912年就指出两者之间的联系:黄色具有不断向上的“超越”,从而达到使眼睛和神经均无法承受的的功能,而当一只小号所发出的声音,变得越高越尖锐时,以至于刺痛耳朵和神经;而蓝色,则具有“超越”相反的力量,它把眼睛引向无限的深度,因而,发出类似长笛般的声音(当深蓝色时)、或低音提琴的声音(当深蓝色时);在弹奏管风琴低音键盘时,你能“看见”深深的蓝色;绿色非常接近大提琴纤弱的中音区的音色;而红色在使用得当时,它给人以强有力的击鼓的印象。

于是,我们可以这样认为:大气和光的振动相成了声音和色彩之间的物理相似形,便造成我们所感觉截然不同的“音乐”与“绘画”之间的关联。作曲家和画家都能运用不同的“音调”或“色调”,创造出同一种或温暖或凄凉或热情或呆滞的共同感受。

音乐与绘画的关联,具有审美功能,引发欣赏者的喜爱,并引起人们在情感或情绪上的共鸣、得到人们的赏识,是音乐与绘画的共同目的。音乐与绘画有各自己的表现手段与媒介,但两者都不同程度上浸透了认识因素与教育因素,它们以各自不同的艺术表白方式,给予欣赏者在心理上、感知上获得效果各异的认识作用与教育作用,只不过这些作用反映在不同的艺术领域和不同的形式之中罢了。所以,各门艺术存在着相互浸透、相互关联的现象,音乐与绘画也是如此。艺术就是这么神奇。各门艺术实际上存在有或多或少的必然联系,因为它们同属于“艺术”的范畴。音乐与绘画有各自鲜明的个性,然而,它们又存在着那么多的必然的关联。